• Entrevista a Boris Divider

    Entrevista a Boris Divider

    "Elegiría siempre lo mejor de ambos, y de hecho todo dependerá del tipo de producción que quieras llevar a cabo. Cuando das importancia a técnicas de síntesis sustractiva / analógica, te vuelves loco por comprarte un Prophet o un Moog pero después ves lo interesante que son las tablas de ondas y te apetece tener un ppg o un Microwave para más tarde ver las posibilidades de la síntesis granular."

    El nombre de Boris Divider y el de electrónica llevan siendo sinónimo desde hace más de una década en nuestro país, un artista de corte abstracto que siempre ha querido estar en la sombra y tenemos la certeza que así seguirá haciendo, puesto que de ese electro oscuro que mamó desde bien temprano y con el que acostumbró a nuestros oídos durante tantos años le ha hecho evolucionar hacia el lado más experimental, mental e inteligente de la música electrónica: La IDM.

    Del 92, año en el que empezaste en esto de la electrónica mucho han cambiado las cosas, mirando tanto en líneas generales como fijándonos en tu propia trayectoria… En tu caso,  del electro clásico has ido adaptándote o evolucionado (según se mire) poco a poco hacia el lado más experimental, mental e inteligente de la música electrónica: La IDM. ¿Crees que has alcanzado ya la madurez sonora y creativa?

    Bueno, cierto que mi lado más visible dentro de la electrónica ha sido la parte en la que el Electro ha cobrado protagonismo pero realmente siempre he tenido varios proyectos paralelos a lo largo de los años con los que he podido tocar otros estilos como el techno, el industrial, electrónica más abstracta, etc... pero bueno, sí que podríamos llamar quizás madurez al hecho de que después de todos estos años la perspectiva con las que se ven las cosas te hace trabajar en aspectos más personales y meditados al margen de modas o tendencias.

    Durante los últimos tiempos se te asocia permanentemente con el vídeo, exhibiendo ahora mismo un nuevo espectáculo audiovisual que sincronizadas en tiempo real y que ya han podido ver y disfrutar en festivales tan importantes dentro del campo visual como MIRA o el emergente Mugako. Danos más detalles acerca de este espectáculo… ¿Cuáles son tus próximos gigs? ¿Algún sitio en especial dónde te gustaría exponerlo?

    Estoy más en contacto con el vídeo en tiempo real y la creación visual por curiosidades de la vida, hace años que trabajo en animación gráfica y grafismo publicitario y ha sido sencillo saltar desde ahí, además conozco las herramientas de manipulación de video en tiempo real desde que nacieron como es el caso de Resolume, Modul8, etc... El llevarlo a un plano relacionado con la producción musical solo era cuestión de tiempo. Ahora creo que sí tiene más sentido poder realizar proyectos con cierta envergadura en el que audio y video tengan el mismo peso. Mi directo audiovisual es ya una actuación donde tanto piezas visuales como tracks de audio se han planteado a la par. Una cosa surge y complementa la otra. Este directo normalmente contiene mis ultimas creaciones que han sido publicadas en álbumes recientes pero también mucho material exclusivo que voy probando. Técnicamente es un entorno totalmente reactivo/generativo es decir aspectos relevantes e importantes de la música son representados en tiempo real por los visuales, hay temas que casi el 100% de los elementos son representados en pantalla en el instante en que se disparan.

    Festivales como Mira o el reciente Mugako se interesaron en este aspecto, o al menos contemplan cierto interés en mi trabajo como artista que puede acarrear las dos disciplinas: audio y video.

    Ahora hay mucho live audiovisual que en muchas ocasiones son unas visuales en paralelo con la música pero poco más... a veces hay al menos una conexión pero no llegan a interactuar con el mismo nivel al que intento referirme. Además el público y la mayor parte de promotores no especializados en eventos audiovisuales no es crítico en este aspecto por lo que todo se empaqueta en un mismo saco, y ahora estoy viendo como mucha gente pone A/V Live en cosas que para mi no lo son. En mi caso todo esta planteado desde y para el directo, con todo lo que eso conlleva, y usando material original siempre, nada de librerías, jamás las usé en el plano musical por tanto en el visual debía ser también así si quería ofrecer algo propio. Todo construido para disfrutar en directo la música que se improvisa en cada momento creando un discurso audiovisual.

    En cuanto a dónde me gustaría poder actuar... depende un poco pero esta claro que Mutek (Canadá) por poner un encuentro fuera de España, este festival es uno de los más importantes. Y un emplazamiento nuestro sería en Bilbao en el Guggenheim, pero lo veo complicado sin plataformas, fundaciones o instituciones detrás como para que den foco a este tipo de proyectos...


    ¿En que te basas para desarrollar ese tipo de visuales con patrones tan abstractos?

    En el estudio dispongo de ciertas herramientas para la creación de series matemáticas, partículas, modelado y estructuras 3D, clonación, etc... que permiten llevarlo a un plano en el que con la música se entiende muy bien y se establece una conexión muy estrecha arte/ciencia. 

    En mis años como productor audiovisual he trabajado paralelamente con muchos diseñadores, fotógrafos, programadores, etc... y siempre hay referencias muy estables en estos campos, en mi caso y a nivel personal la escuela de Ulm (heredera de la Bauhaus) y el diseño industrial (Dieter Rams) la tipografía y el diseño de Lars Muller, etc.. son pilares básicos. El minimalismo alemán o japonés también como concepto son algo interesante para mí. Pero actualmente muchos de estos rasgos se traducen en obras que como ejemplo podemos tomar en sellos que dan importancia a estos conceptos también, como es el caso del conocido Raster Noton. 

    Diez años han pasado ya de aquel “La Hora De Las Maquinas”, tu primer álbum, el año pasado sacaste tu quinto álbum de estudio,  y ahora, justamente un año después ve la luz “ExaScale+”, que parece a bote pronto una extensión de ExaScale. ¿Qué diferencias podemos encontrar entre ambos? ¿Qué te motivo a sacarlo? ¿Por qué sale justamente un año después?

    Exascale y Exascale+ son básicamente el mismo álbum solo que la versión plus es una versión expandida con remezclas y material audiovisual en una edición cuidada tanto en CD (numerado) como en tarjeta usb y un pequeño libreto con capturas de los vídeos. Las ediciones en mi sello Artificial Domain son muy limitadas y después de que se agotara la edición original surgió la opción de poner más copias en circulación. Si lanzábamos una segunda edición tuvo que hacerse con un carácter añadido y expandido y así fue Exascale+.

    Pero justo coincidiendo con esta entrevista acabamos de lanzar las preescuchas de lo que es mi próximo album, mucho más ambiental y siguiendo la evolución del reproceso de audio con técnicas digitales contemporáneas. Se titula “Visiones Secuenciales” así que mi trayectoria sigue progresando hacia propuestas más culturales/audiovisuales y música de escucha.



    Además incluyes remezcladores en este nuevo álbum, ¿por qué has elegido a estos tres artistas para remezclar ExaScale+? (Yves De Mey, Svreca y Max Hawking) Defínenos a estos tres productores…

    En Exascale+ me apetecía incorporar gente diferente. Yves de Mey  por ejemplo es un artista que me llamaba la atención no sólo por sus trabajos como Sendai del que forma parte sino también en solitario pues lleva una mezcla de música fría atmosférica con ambientes industriales y mezclados en ocasiones con techno de una forma interesante. Con Enrique (Svreca), aunque lleva poco como productor me interesaba sobre todo su punto de vista como selector y, siendo responsable de Semantica, en cómo entiende la estética del techno. Quería verlo desde el plano de la producción y sus recursos y creo que ha hecho un magnífico trabajo. De Max Hawking no os voy a desvelar nada, pero su forma de entender y aportar algo interesante desde el techno también fue motivo para esta referencia.

    ¿Ahora parece ser que andas volcando todo el material en Artificial Domain, ¿tienes pensado publicar algo en otras casas? Qué nos puedes contar de Drivecom, el sello que te vio crecer como artista, ¿lo tienes hibernando o definitivamente ha muerto?

    En cuanto a Drivecom, podríamos decir que ciertamente esta hibernando, sí... Y ahora estoy dedicando mis energías a Artificial Domain, un sello donde me encuentro liberado y donde puedo plasmar muchas cosas interesantes. Arriesgando desde el plano experimental y digital. Además el aspecto estético y el tema visual se acoplan perfectamente con el concepto de la plataforma. En el aspecto técnico también tenía ganas de liberarme del vinilo. Puede sonar extraño pero todo lo que involucra al proceso de creación de un vinilo “si se quiere hacer bien” requiere tiempo y esfuerzo y mata un poco la sensación de frescura. También el publicar en formatos digitales permite que mi mastering llegue al limite al que lo quiero llevar sin tener que depender de un proceso posterior como sucede en el corte del vinilo, donde el material y los trasductores / ingenería etc, es significativamente relevante para planchar un vinilo. Es más, hay frecuencias en los tracks de Artificial Domain que no pueden ser representadas de igual manera en un vinilo, y esto es un aspecto que me apetecía trabajar sin tener que pensar en sacrificar esos detalles posteriormente. También en no estar obligado a parámetros tan analógicos con respecto al vinilo te hace pensar de otra manera... por ejemplo muchas veces tenemos que limitarnos para no hacer tan extensos algunos temas si queremos meterlos en un 12” y que sigan sonando bien.

    Antaño se te reconocía perfectamente por ser uno de los pocos artistas en hacer directos sin ordenador, tus lives eran la simbiosis perfecta entre hombre-máquina, sin embargo,  ahora en tus últimos shows se te puede ver ya con ordenador y con máquinas hardware (controladores) que dependen plenamente  de la computadora, ¿por qué este cambio tan significante en tu filosofía como artista?

    Mi set de directo ha cambiado porque como es lógico el concepto también lo ha hecho y a nivel técnico ha habido una incorporación de herramientas para disparar visuales en tiempo real que antes no había. Todo lo visual va necesariamente ligado a un ordenador con especificaciones muy exigentes, así que por un lado no quedaba otra que llevar uno ya para visuales. Con el plano musical después de casi 20 años de salir a escenarios con mucho hardware y con MPCs como centro neurálgico, y viajar con lo que supone coger aviones tuve que planteármelo y optimizar. Y siendo sincero, después de haber probado la mayor parte de ellas, quitando las primeras MPC en las que el sonido sí pueden aportar algo de carácter las ultimas generaciones no son más que un ordenador y una sección de control... podría llevar muchas más maquinas hardware todavía pero al final tienes que ser eficaz en directo y ya no solo manipulo sonido... Por otro lado, también hay un aspecto estilístico relevante, no es lo mismo salir a escena con temas más analógicos de mi album “The Source”  por ejemplo que mis últimos trabajos más digitales como los de “Exascale”.

    Boris Divider

    Caminas entre lo digital y lo analógico ahora mismo, si tuvieras que elegir –dame como válida la típica pregunta de– ¿a quién quieres más, a papá o mamá?, ¿con cuál te quedarías y por qué lo harías?

    Elegiría siempre lo mejor de ambos, y de hecho todo dependerá del tipo de producción que quieras llevar a cabo. Cuando das importancia a técnicas de síntesis sustractiva / analógica, te vuelves loco por comprarte un prophet o un moog pero después ves lo interesante que son las tablas de ondas y te apetece tener un ppg o un microwave para más tarde ver las posibilidades de la síntesis granular (afortunada ahora de encontrar un entorno táctil como en las tablets), en fin... ya no puedes quedarte solo con una sola cosa. Lo interesante es saber para qué lo puedes usar y cuando... y me temo que solo se puede hacer con una herramienta de la que se habla muy poco: la experiencia. Cuando uno se ha topado con casi todo entiende las cosas de otra manera.

    Próximamente Mauro Nakimi lanzará la primera referencia de las remezclas de Multimorphic Live en la que das tu punto de vista con una  remezcla muy IDM, nada que ver con el original… ¿Por qué algo tan distinto del original? ¿Qué te parece el proyecto del artista gaditano? ¿Qué es lo que te llevó a ser participe de él?

    Cuando Mauro nos mandó el proyecto, escuché el álbum y entendí perfectamente el camino y el desarrollo de su trabajo. Es un trabajo versátil, con una base sólida como para seguir haciendo cosas muy buenas en el futuro, no me gusta entrar en los tópicos y decir simplemente lo que se espera y que si es muy bueno y ya esta..., habrá gente a la que le guste más o menos, pero creo que lo interesante es ver un trabajo bien enfocado y con buena producción. Este tipo de proyectos crean referencias en el artista, puntos importantes en la hoja de ruta para seguir creciendo, al menos me da esa sensación...

    En cuanto al track para la remezcla, Mauro ya sabía en qué momento estaba yo y fue coherente con ello, con plena libertad para proceder como yo quisiera. Además yo creo que ha dado un aire más abierto al disco, evitando los posibles clichés. Mi versión concretamente representa un momento evolutivo puntual, relacionado con una estética digital que declara que las cosas han cambiado. La base del electro puede seguir ahí en el fondo pero las formas, estructura, sonidos se han actualizado con elementos más contemporáneos: no es Electro por supuesto, pero puedes reconocer algo si arañas la superficie.